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Um tropeço em cinco movimentos y Materia vibrante

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  Por Pablo Gamba  En la sección de cortos y mediometrajes de Rotterdam se estrenaron Um tropeço em cinco movimentos (Brasil-Estados Unidos, 2024), tercera película de la brasileña Valentina Rosset, según la lista publicada por el festival, y Materia vibrante (Argentina, 2024), de una de las figuras más importantes del cine experimental argentino actual, Pablo Marín. Son dos películas que comentamos juntas aquí la importancia que tiene en ambas la exploración de la forma fílmica. El corto de Rosset está basado en Corona (1962), pieza para piano del compositor japonés Toru Takemitsu, creada en un momento de su carrera en el que se interesó por la música y las ideas de John Cage. Es una de las obras para las que escribió partituras gráficas. El título se relaciona con los esquemas que el ejecutante encuentra en el papel y que Rosset filma en planos que puntúan las partes de la película como los movimientos de Corona .  Para el cortometraje se grabó y se filmó la interpretación que hac

Aracne y Tarántula

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  Por Pablo Gamba  Aracne (México, 2023), de Cremance, y Tarántula (Estados Unidos, 2024), del peruano Tomás Orrego, son cortos de la selección de este año de Diametrale, festival de cine experimental de Innsbruck, Austria, en la competencia internacional, el primero, y en otro en el programa B-Sides. Si bien hoy la exploración formal se presenta como dominante en el cine experimental, Diametrale se interesa más por otro tipo de películas, como es el caso de estas dos. Aracne y Tarántula son cortos de terror, pero que se inscriben también, sobre todo el segundo, en las apropiaciones actuales del surrealismo. El festival austríaco se decanta por esto y por las películas que vuelven hoy también al dadaísmo, a las primeras vanguardias, así como por aquellas que trabajan transgresoramente el sexo, lo grotesco y el humor.  Ambos cortos, como los títulos lo indican, tienen que ver con el miedo que nos causan las arañas. Aracne comienza haciéndonos sentir una sensación desagradable que a

Praia Formosa

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  Por Pablo Gamba  Praia Formosa (Brasil, 2024) se estrenó en Rotterdam, donde fue la única película latinoamericana en competencia por el Tigre, el premio principal del festival. Es el tercer largometraje como directora de Julia de Simone, después de Romance de formaçao (Brasil, 2012) y Aracati (Brasil, 2015), codirigido por Aline Portugal. Praia Formosa es también la segunda parte de una trilogía que comenzó con O porto (Brasil, 2014), cortometraje que De Simone realizó junto con Clarissa Campolina, Luiz Pretti y Ricardo Pretti, y que compitió en el Festival de Rotterdam. Complementa la trilogía el mediometraje Rapacidade (Brasil, 2023), codirigido por Julia de Simone y Ricardo Pretti, que se estrenó el año pasado en el Festival de Río.  El motivo que conecta Praia Formosa con O porto es Puerto Maravilla, un proyecto público-privado de “revitalización” de la zona portuaria para aumentar los atractivos de Río de Janeiro como destino turístico internacional, una ciudad para vis

Por arriba Juan, por abajo Jean

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  Por José Suing Mendieta Por arriba Juan, por abajo Jean (2023) es el regreso de Miguel Alvear (Quito, 1964), quien desde el estreno de Más allá del mall (2010) no había dirigido un proyecto cinematográfico. A pesar de su ausencia del cine, Alvear ha estado presente en varios otros proyectos artísticos. Ha dado un giro de disciplina y/o formato, pero no ha alejado su preocupación por el quehacer cinematográfico y la investigación de las distintas formas de realización cinematográfica en la geografía ecuatoriana. A pesar de la aparente poca repercusión del trabajo de Alvear más allá de las fronteras del país, ha logrado posicionar sus obras en circuitos importantes dentro de la región, como Visionarios (Itaú Culural, Brasil), y en Europa, en el CCCB (Barcelona), además de ser uno de los principales gestores y curadores como Fundación Ocho y Medio (Quito), y el Museo Antropológicco y de Arte Contemporáneo (MAAC) (Guayaquil).  Por arriba Juan, por abajo Jean es un homenaje a la obra

El nido del Sol

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Por Mariana Martínez Bonilla Hasta el 28 de julio se presenta en la sala de exhibiciones virtuales del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC-UNAM) de Ciudad de México El nido del Sol , una obra del Colectivo Los Ingrávidos. Este film de un poco más de cinco minutos de duración forma parte de la trilogía Tonalli, un collage donde convergen los ritmos y texturas del Sol, la Luna y el fuego, la cosmovisión mexica y la materialidad fílmica. En ella también se manifiestan las inquietudes del grupo que opera en el anonimato acerca de las potencias animistas y rituales del medio cinematográfico. Resulta sumamente complicado describir El nido del Sol . En todo caso, valdría hablar de la producción de un estado casi hipnótico a través de los ritmos musicales de las percusiones (tambores que recuerdan a una sesión de jazz improvisado, pero también a danzas ancestrales) que los acompañan a las texturas y colores. Se trata de alcanzar un umbral de lo sensible que corrompe los procesos de r

Ojitos mentirosos y Lessons on Flight

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Por Pablo Gamba  Ojitos mentirosos (España, 2024), de Elena Duque, y Lessons on Flight (Chile, 2024), de Cecilia Araneda, se estrenaron en la sección de cortos y mediometrajes del Festival de Rotterdam. Son dos películas que tienen en común, además, que de algún modo están marcadas por la experiencia de las realizadoras como personas migrantes, con el lugar de acogida, en el primer caso, y el mítico lugar de origen personal y familiar, en el segundo. En Ojitos mentirosos Duque vuelve a recurrir al formato otrora doméstico del Super 8 para registrar un aspecto que puede pasar inadvertido en la cotidianidad de Madrid, pero que es imposible que no impresione a los recién llegados con sensibilidad para el paisaje urbano. Son los trampantojos, que producen ilusiones ópticas con relación a los edificios en los que están pintados. Uno de los más conocidos es el que hay en la Plaza de los Carros.  La primera parte del corto tiene así cierta analogía con un film de turista con buen ojo, que

Arturo a los 30

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  Por Salvador Savarese  Como muchas películas sobre la juventud; ya sea la francesa Los 400 golpes , de 1959, o la costarricense Tengo sueños eléctricos , de 2022, el tema principal, aunque oculto, de Arturo a los 30 (Argentina, 2023) es la dificultad de adaptarse al mundo. Además Arturo ya es grande, tiene treinta años, y eso hace que su inadecuación sea más evidente. Encima, tiene una relación muy extraña con su cuñada viuda, sufre de una insólita capacidad para caer en situaciones que se complican cada vez más hasta terminar indefectiblemente mal, soporta permanentes problemas sentimentales y padece enormes dificultades y presiones para poder definir qué ser en la vida. Arturo es un personaje destinado a ser trágico.  Martín Shanly, como director, ya había explorado un personaje igual de discordante en su primer largometraje: Juana a los 12 (Argentina, 2014), donde asistimos a la vida diaria de una niña con muchas dificultades para encontrarse a sí misma en medio de su entorno.